Für den Ausstellungstitel ist ein spanisches Zitat des Schriftstellers Jorge Luis Borges Estoy solo y no hay nadie en el espejo sinnstiftend, in dem er die Erkenntnis formuliert, dass das eigene Selbst im Spiegel unreflektiert bleibt und stets einsam ist.
Das Ausstellungsprojekt der beiden Gastkuratorinnen Ana María Valles Castro und An Seebach thematisiert Einsamkeit. Dabei begegnen sich Künstler und Länder und nuancieren im assoziativen Miteinander dieses große Menschheitsgefühl. Spanisch-deutsche Wortpaare führen durch die Ausstellung und gruppieren die Fotografien und Videoarbeiten zu binationalen Sprachräumen.

La cita del escritor Jorge Luis Borges “Estoy solo y no hay nadie en el espejo” sirvió como inspiración para el título de este proyecto expositivo en el que las comisarias invitadas Ana María Valles Castro y An Seebach reúnen artistas de dos culturas diferentes para, de una forma interdisciplinar, acercarnos al concepto soledad.
Las fotografías, vídeos y performances aquí presentadas pretenden la comunicación visual, emocional y personal con el espectador en un recorrido a través de diferentes formas de manifestación de este sentimiento.
Cada sala del espacio expositivo es designada por medio de pares de conceptos en español y alemán relacionados con el tema de la exposición. Cada término no es la traducción del que tiene al lado. Se trata de un acercamiento de ambas culturas y, a la vez, del propio espectador a la temática de la sala.

ausencia | ausgebrannt

In den hinteren Ausstellungsräumen sind Arbeiten von vier Künstlern versammelt, die sich mit der privaten, intimen Schattierung des Alleinseins beschäftigen. Die Abwesenheit von Menschen und ausgebrannte Inhalte - manchmal ganz wörtlich genommen -  die Erinnerungsspuren zurückgelassen haben, sind den Arbeiten gemeinsam, und doch ist ihre künstlerische Sprache höchst individuell.

En las salas del fondo se exponen los trabajos de cuatro artistas que reflexionan sobre el matiz privado e íntimo de la soledad. La ausencia, el contenido “apagado”- literalmente y entendido bajo el término alemán “ausgebrannt” como el consumo de energía del ser humano hasta quedarse vacío-, las huellas que la memoria ha dejado atrás, son aspectos que estas obras tienen en común bajo un lenguaje artístico muy diferente y específico.

Antía Moure * 1981 (Madrid) präsentiert eine Fotoserie (2005/6) von eigenartiger, poetischer Kraft.
Die Bilder zeigen verlassene Räume, dokumentarisch fotografiert, die zum Ausgangspunkt für Kurzgeschichten und zu deren Bühnenräumen werden. Der Betrachter gerät in eine vertraute Beziehung mit der Künstlerin, wenn er die von ihr an die Wände der Räume geschriebene Monologe aktiviert und seine eigene Geschichte erfindet. Antía Moure verbindet Bild und Wort geschickt zu ästhetischen Einheiten und ist inspiriert von Denkern und Schriftstellern wie Zambrano, Rimbaud und Baudelaire und Borges, von dem ja auch die Spiegelmetapher für die gesamte Ausstellung stammt.

Antía Moure *1981 (Madrid) presenta una serie de fotografías en las que con carácter documental y una fuerte carga poética nos habla de la memoria, del tiempo, de la ausencia y la confidencia.
Se trata de espacios abandonados, que aparecen como escenografías de relatos, de narraciones abiertas, de monólogos derivados de la necesidad de complicidad con el espectador. Frases cortas y rotundas aparecen como confesiones en un espacio vacío físicamente pero en conexión con el espacio vital experimentado por su propio morador. Se trata de una reflexión sobre nuestro propio tiempo. La lectura de estas frases por parte del visitante será la que active la historia que se esconde entre esas paredes, en un intento de reunir lo individual y lo colectivo, lo privado y lo público, lo íntimo y lo compartido. La obra de la artista reúne así la imagen y la palabra, inspirada en escritores y pensadores como María Zambrano, Rimbaud, Baudelaire y Borges, que también reflexionaron sobre las mismas claves y cuyas frases utiliza en algunas de sus obras más recientes.

In ihrer achteiligen Fotoarbeit mit dem bezeichnenden Titel Was ist... fotografiert Uta Neumann *1976 (Berlin) das ausgeräumte Elternhaus und porträtiert zugleich ihre Familie - die Eltern und die Schwester - nackt. Nüchtern, analytisch, Bestand aufnehmend und doch nah - die emotionale Mischung, mit der die Fotografien von Menschen und Zimmern Familiengeschichte vorführen, lässt den Betrachter allein im wertfreien Raum. Dies ist die Überprüfung der eigenen Basis. Wie und wo begann es? Was bleibt? Wo entsteht das, was soziale Bindung oder spätere Entfremdung ausmacht? Was mache ich jetzt? Wohin gehe ich?

En su trabajo Was ist (2005), la artista Uta Neumann *1976 (Berlín) fotografía la casa vacía de su familia y retrata, al mismo tiempo, a sus padres y a su hermana desnudos. Por medio de una estética sobria, analítica, de inventario, pero a la vez cercana, la artista muestra la historia familiar a través de habitaciones y personas, de una mezcla de emociones que deja al espectador solo en un espacio desvalorizado. Se trata de una revisión de la propia esencia. ¿Dónde y cómo empezó?, ¿qué permanece?, ¿dónde se originan las relaciones sociales y dónde el alineamiento?, ¿qué hago ahora?, ¿adónde voy?

Der Gang hinab in den Mex-Keller führt uns zur Arbeit everybody thinks the same (2005) von Sabine Schründer, *1973 (Berlin). Der Untertitel der mehrteiligen Installation verrät, dass es sich um eine Annäherung an eine kollektive Orientierungslosigkeit handelt. Ausgelöst durch die starke und langjährige Depression ihres Vaters geht es der Künstlerin, wie sie in einem eigenen Statement zur Arbeit schreibt, weniger um die Illustration eines Krankheitsbildes, als vielmehr um ein subjektives Assoziationsfeld, das den Seelenzustand von Stagnation und Orientierungslosigkeit einkreist. Dabei werden die kleinen Mysterien, Marginalien des Alltags und spezifische Seinsmomente, Augenblicke zu Beschreibungen, die als Stellvertreter für das übergeordnete Ganze gelten können - fernab jeder Porträtierung. 

La estrecha entrada del sótano Mex nos conduce a la obra de Sabine Schründer *1973 (Berlín). La artista centra gran parte de su obra en la problemática entre individuo y sociedad, en el cambio de comportamiento de éste cuando forma parte de un grupo, estructura social o colectividad. Con la instalación Everybody thinks the same (2005) Schründer nos acerca de forma muy personal y poética a diferentes aspectos de la depresión. A causa de la fuerte y larga depresión de su padre, la artista nos muestra sus propias asociaciones subjetivas con esta enfermedad refiriéndose a ella como una paralización del estado del alma o una pérdida de relación con el mundo y con el individuo; como una sensación de desorientación definida como un síndrome colectivo siempre actual y potencialmente experimentable. Su trabajo pretende la confrontación con modelos de vida existentes, y, relacionado con ello, la búsqueda de nuevos aspectos existenciales. Se trata de una obra armoniosa e íntima en la que la artista reúne imágenes que captan momentos específicos del ser, pequeños misterios, instantes fugaces que se ocultan en la marginalidad de la cotidianidad.  

Abb. Einladungskarte ©: An Seebach
Abbildungen ©: die KünstlerInnen
Konzept und Organisation: Ana Valles Castro & An Seebach

unterstützt durch: Sparkasse Dortmund, Kulturbüro der Stadt Dortmund