Kuenstlerhaus Dortmund, genau

	¿ NADIE EN EL ESPEJO \| NOBODY IN THE MIRROR ? Soledad en el arte \| Loneliness in fine art Un proyecto expositivo alemán-español \| German-Spanish exhibition project October 9 until November 8, 2009


	Opening: Friday, October 9, 8 pmr Opening hours: Thu - Sun, 4 - 7 pm


	Participating artists: Sergio Belinchón (Berlin) Félix Fernández (Madrid) Ruth Hommelsheim (Berlin) Reinhild Kuhn (Dortmund) Antía Moure (Madrid) Uta Neumann (Berlin) Irene Pascual (Berlin) Sabine Schruender (Berlin) Philine Sollmann (Berlin) Jens Sundheim (Dortmund) Hannes Woidich (Dortmund)



	The title of the exhibition was inspired by a spanish quote of the author Jorge Luis Borges Estoy solo y no hay nadie en el espejo, in which he points out the impossibility of the reflection of the real self and the fact that one always remains on one's own. The exhibition project of the two guest curators Ana María Valles Castro and An Seebach focusses on Einsamkeit (loneliness). Artists and countries meet within an associated common field of this big man-kind feeling opens up. Spanish-German word twins guide us through the exhibition and group photo/video artworks in German-Spanish speaking areas. La cita del escritor Jorge Luis Borges “Estoy solo y no hay nadie en el espejo” sirvió como inspiración para el título de este proyecto expositivo en el que las comisarias invitadas Ana María Valles Castro y An Seebach reúnen artistas de dos culturas diferentes para, de una forma interdisciplinar, acercarnos al concepto soledad. Las fotografías, vídeos y performances aquí presentadas pretenden la comunicación visual, emocional y personal con el espectador en un recorrido a través de diferentes formas de manifestación de este sentimiento. Cada sala del espacio expositivo es designada por medio de pares de conceptos en español y alemán relacionados con el tema de la exposición. Cada término no es la traducción del que tiene al lado. Se trata de un acercamiento de ambas culturas y, a la vez, del propio espectador a la temática de la sala.





	vacío \| solo


	In the lobby - a transfer space itself - we find the work of Philine Sollmann 1978 (Berlin). For her impressive productions in urban spaces she uses the media photography, video and performance equally. Someone dances a solo for a square, for a green space, for a shadow on a wall. Individuals are measuring the empty spaces (vacío) of the city with their bodies. The body dimension, the human or inhuman measurement of city architecture is of main interest for Sollmann. En el vestíbulo, de por sí un espacio de paso, encontramos la obra de Philine Sollmann 1978 (Berlín). Para sus producciones, de gran expresividad, la artista utiliza los medios fotografía, vídeo y performance. Alguien baila un solo para una plaza, para un espacio verde, para un aparcamiento, una sombra en un muro. Se trata de individuos que con sus cuerpos transforman el espacio urbano vacío. La dimensión humana de la urbanidad, la medida humana de la ciudad construida son los temas principales de la obra de Sollmann. Vergessen zu sein (2004) es un trabajo centrado en lugares públicos de Barcelona cuya atmósfera de vacío y declive es corregida por la artista a través de cortas performance realizadas in situ y que reflejan la idea de que en estos lugares, hubo alguna vez algo o alguien.


	incomunicación \| anonymous


	In Room 2 we see office a video from 2005 by the artist *Sergio Belinchón 1971 (Berlin)*. The video shows the transparent fassade of an office building at the Potsdamer Platz in Berlin. The camera moves as a robot and is somehow reading in the working process behind. The sound of the video transfers the simple image into a symbol for our communication society. En la Sala 2 vemos el vídeo Office (2005) de Sergio Belinchón 1971 (Berlín) donde aparecen personajes en sus puestos de trabajo en un edificio de oficinas en Potsdamer Platz en Berlín. El artista valenciano centra su interés en el paisaje marcado por la huella humana, en la ciudad como escenario contemporáneo y en lo urbano como contexto. Con movimientos de cámara que no son más que la deriva lógica del planteamiento conceptual con que Belinchón trabaja la imagen fotográfica, el artista recorre sistemáticamente los ventanales de las oficinas a modo de reflexión sobre el espacio privado dentro del espacio público del edificio y donde dichos personajes son observados por el propio espectador, convertido así en voyeur. Esta dualidad público-privado se enfatiza a través del sonido de oficina mezclado con conversaciones íntimas. On the last day of the exhibition Irene Pascual 1976 (Berlín) shows the video performance UNSTRANSFER together with the dancer Jacqueline Tauil. Two spaces, to protagonists, two projections - a dialogue? The Impossibility of real contact in the virtuell spaces of the internet is effect-fully staged by the artists fortified with mass media uploads of subject as swine flu and cybersex. Irene Pascual* 1976 (Berlín) y Jacqueline Tauil presentan la performance UNTRANSFER* como una reflexión sobre el aislamiento y la alienación que sufre la sociedad actual a través de un fenómeno de comunicación de masas como es Internet, donde la vida virtual puede llagar a ser más poderosa que la propia realidad. Si bien la idea de Internet es la comunicación entre las personas, el individuo a menudo se encierra en sí mismo y se comunica a través de una máquina evitando toda interacción real y contacto personal. En este contexto, las artistas consideran el cibersexo como paradigma de esta idea. Pascual y Tauil actúan, al mismo tiempo, delante de la cámara y delante del público, estableciendo así un diálogo entre la presencia real y su proyección virtual.





	inmensidad \| solitude In the big exhibition space works by *Félix Fernández 1977 (Madrid), Ruth Hommelsheim 1965 (Berlin)* and *Reinhild Kuhn 1966 (Dortmund)** join each other. The German expression Einoede and the Spanish idea of immensidad - that is something between immensity and infinity - frame works that deal with the man-made unreality of space, with civilization processes that lead to isolation and estrangement from nature. En la sala grande, se exponen los trabajos de Félix Fernández 1977 (Madrid), Ruth Hommelsheim 1965 (Berlín) y Reinhild Kuhn *1966 (Dortmund). Bajo el concepto de “inmensidad” y la expresión “einöde”, se unen los trabajos de estos tres artistas que reflexionan sobre la irrealidad de espacios hechos por el hombre, sobre procesos de la civilización que nos conducen progresivamente a un estado de aislamiento y extrañamiento de nuestra propia naturaleza.





	What comes after nature? This question is of interest for Ruth Hommelsheim, if she takes photographs of former brown-coal mining areas and the rubbish of open cut. The left landscapes are characterized by aggression and destruction. There are plump landscape shilouettes from soil mass where the above is now underneath to detect the profitable raw material. Mankind left a deserted, emptied and mysterious time-less place, if you watch it you feel rage and melancholia at once. En la serie Nach der Natur (2005/6), la artista Ruth Hommelsheim muestra un paisaje fotográfico “después de la naturaleza”. En la obra se muestra el estado de suspensión de un uso industrial producido por el hombre tras la intervención de éste en un paisaje natural. Hommelsheim muestra un espacio desolado, ambiguo, inmenso, un paisaje impreciso, que no es lo que era y que no es lo que será. Se trata de un paisaje artificial fruto de la agresión intervencionista del hombre. Por medio de juegos de perspectiva y planos alejados, la artista compone sus fotografías produciendo una cierta inquietud sobre el espectador que asiste, así, a la observación de un espacio que le es ajeno.





	Reinhild Kuhn, member of the Kuenstlerhaus Dortmund since 2001, watches the built urban space of our cities literally superficial: texture of material and quality of architecture surfaces, slides for example or so-called city furniture is analyses for their psychological inputs. In her photographs compact urban layers develop, hermetic spaces exclude or even include their inhabitants in exclusively high-grade steel. En sus fotografías Reinhild Kuhn, miembro de la Künstlerhaus Dortmund desde 2001, observa el espacio construido de nuestras ciudades literalmente ‘superficiales’. La textura de los materiales, la calidad de fachadas arquitectónicas o el mobiliario urbano, serán estudiados aquí desde el punto de vista de sus cualidades psicológicas. En sus fotografías aparecen compactas capas urbanas, espacios de edificios herméticos que excluyen a sus propios habitantes o que se convierten en cárceles exclusivas de éstos.





	In the video Planta 23 (23rd floor), 03:45 (2008) by Félix Fernández the protagonist is conflating with the sea of light of the nocturnal Tokyo. Bar code like the city layers the individual. The behemoth city with its immense capacity has engulfed all privacy of the hotel room on 23^rd floor and already got under his skin. Félix Fernández presenta su vídeo Planta 23, 03:45 (2008) como una reflexión sobre la desconexión del ser humano en un espacio urbano ultracivilizado. Basado en la propia experiencia del artista, el vídeo grabado en un hotel de Tokio ubicado en un rascacielos, nos presenta una visión de la ciudad que enfatiza el carácter de incomunicación y aislamiento del ser humano en un espacio creado por él mismo y pensado para la colectividad. Las luces de la ciudad nocturna se fusionan con el protagonista, sobreponiéndose la ciudad sobre el individuo. El sonido utilizado, de ritmo lineal y penetrante, acentúa la sensación de ahogo de las propias imágenes.


	desasosiego \| individual


	Separated to the basement - to the so-called laboratorium - another video work shadows (2004) by Sergio Belinchón shows shadows as protagonists. In diverse forms the city's trouble is modelling: the excitement of modern culture & continously in action & hubbub of voices & the anonymous mass without identity. En el sótano laboratorium, se presenta en un piso inferior, el vídeo Shadows (2004) de Sergio Belinchón * 1971 (Berlín) en el que la sombra es la protagonista absoluta, al ser lo único que aparece en diferentes formas, imperfectas, alargadas, deformadas... Se trata de sombras que se mueven de manera caótica en un espacio indefinido y que están envueltas en un sonido confuso de voces indescifrables y frases inconexas. Estas sombras representan al individuo moderno, siempre en movimiento, anónimo, sin identidad.





	ausencia \| burned out In the posterior exhibition spaces four artists gather that deal with the private, intimate shade of lonesomeness. The absence of human beings and burned-out content - sometimes literally - the traces that memory left behind, this is what the works have in common, but their artificial language is very different and specific. En las salas del fondo se exponen los trabajos de cuatro artistas que reflexionan sobre el matiz privado e íntimo de la soledad. La ausencia, el contenido “apagado”- literalmente y entendido bajo el término alemán “ausgebrannt” como el consumo de energía del ser humano hasta quedarse vacío-, las huellas que la memoria ha dejado atrás, son aspectos que estas obras tienen en común bajo un lenguaje artístico muy diferente y específico.





	*Antía Moure 1981 (Madrid)** shows a serie of photographs (2005/6) with peculiar poetic power. The pictures present abandoned rooms, photographed almost documentary, that function as starting points for short stories or even their stages. The viewer starts an intimate relation with the artist, when he activates the monologues she inscribed to the room's walls and begins to invent his own story. Skilled Antía Moure combines image and word to aesthetic units - always inspired by authors and thinkers as there are Zambrano, Rimbaud, Baudelaire and Borges - who by the way gave the metaphor of the empty mirror to the whole exhibition. Antía Moure *1981 (Madrid) presenta una serie de fotografías en las que con carácter documental y una fuerte carga poética nos habla de la memoria, del tiempo, de la ausencia y la confidencia. Se trata de espacios abandonados, que aparecen como escenografías de relatos, de narraciones abiertas, de monólogos derivados de la necesidad de complicidad con el espectador. Frases cortas y rotundas aparecen como confesiones en un espacio vacío físicamente pero en conexión con el espacio vital experimentado por su propio morador. Se trata de una reflexión sobre nuestro propio tiempo. La lectura de estas frases por parte del visitante será la que active la historia que se esconde entre esas paredes, en un intento de reunir lo individual y lo colectivo, lo privado y lo público, lo íntimo y lo compartido. La obra de la artista reúne así la imagen y la palabra, inspirada en escritores y pensadores como María Zambrano, Rimbaud, Baudelaire y Borges, que también reflexionaron sobre las mismas claves y cuyas frases utiliza en algunas de sus obras más recientes.





	In her photo work in 8 pieces destinctively titled with What is... the artist *Uta Neumann 1976 (Berlin)** takes photos of the cleared out parent's house and portrays her family - parents and sister - naked. Sober, analytic, inventory-like but close this emotional mix, that demonstrates family history with views into rooms and people, she leaves the recipient alone in an value free space. This is the check of her own base. Where and how did it start? What stays? Where do social ties come from and what leads to later alienation? What do I do now? Where do I go? En su trabajo Was ist (2005), la artista Uta Neumann *1976 (Berlín) fotografía la casa vacía de su familia y retrata, al mismo tiempo, a sus padres y a su hermana desnudos. Por medio de una estética sobria, analítica, de inventario, pero a la vez cercana, la artista muestra la historia familiar a través de habitaciones y personas, de una mezcla de emociones que deja al espectador solo en un espacio desvalorizado. Se trata de una revisión de la propia esencia. ¿Dónde y cómo empezó?, ¿qué permanece?, ¿dónde se originan las relaciones sociales y dónde el alineamiento?, ¿qué hago ahora?, ¿adónde voy?





	The series posterity by *Jens Sundheim,1970 (Dortmund), member of Kuenstlerhaus Dortmund since 2007,** show the possessions of an individual after the apartment was set on fire. The dark photographs carry us to a transformed world. The observer hesitates between fascination and horror, the sepia brown patina on furniture and walls and a lot of delicate details tempt him to aesthetically overlook the human disaster. El artista Jens Sundheim *1970 (Dortmund), miembro de la Künstlerhaus Dortmund desde 2007, centra su interés en crear trabajos que traten sobre más de una realidad. El espectador es invitado a cambiar los diferentes niveles de percepción. La serie fotográfica Nachwelt es un trabajo estrictamente documental que muestra lugares que han sido agredidos por el fuego, que han sido transformados, dándoles un nuevo carácter. El espectador vacila así entre fascinación y horror. La nueva pátina color marrón sobre muebles y paredes, y los delicados detalles ‘barrocos’ lo conducen aquí a observar estéticamente toda la tragedia que envuelve la destrucción de un espacio por el fuego, y el abandono de éste.





	Night grounds, a series by *Hannes Woidich 1976 (Dortmund), member of Kuenstlerhaus Dortmund since 2002,** isolates urban spaces during the night, that are useful to people at day time. Play grounds, park benches, platforms are included in a dense black and now visible as sculptures almost. The sharp high-end photography first cuts out and then presents lifeless things - empty and melancholy without the human use. Hannes Woidlich *1976 (Dortmund), miembro de la Künstlerhaus Dortmund desde 2002, presenta su proyecto fotográfico Nachtgelände (2007). Sus fotografías son realizadas de noche en espacios públicos urbanos pensados para el uso del hombre pero carentes de éste, mostrando así al espectador su mundo cotidiano pero desde otro punto de vista. Un escenario al aire libre, elementos de un parque infantil o bancos se presentan aquí fuertemente iluminados a la vez que envueltos en un denso fondo negro, descontextualizándolos y convirtiéndolos, así, en espacios silenciosos y vacíos, ajenos a la idea que el propio espectador posee de estos lugares.


	inquietud \| solo run


	The way down into the Mex basement guides us to the work everybody thinks the same (2005) by *Sabine Schruender, 1973 (Berlin). The subtitle of the multi-piece installation reveals, that it deals with an approach to collective state of no-orientation*. Triggered by the heavy depression of her father for many years the artist is interested - so she writes in a statement about the work - less in an illustration of an illness but in the creation of a subjective association field, that surrounds the soul's state of stagnancy and loss of orientation. Within the tiny mystery and marginalia of every day's life specific moments transform to descriptions that function as representations for the big whole - more than an individual paint of a portrait. La estrecha entrada del sótano Mex nos conduce a la obra de Sabine Schründer 1973 (Berlín). La artista centra gran parte de su obra en la problemática entre individuo y sociedad, en el cambio de comportamiento de éste cuando forma parte de un grupo, estructura social o colectividad. Con la instalación Everybody thinks the same (2005) Schruender nos acerca de forma muy personal y poética a diferentes aspectos de la depresión. A causa de la fuerte y larga depresión de su padre, la artista nos muestra sus propias asociaciones subjetivas con esta enfermedad refiriéndose a ella como una paralización del estado del alma o una pérdida de relación con el mundo y con el individuo; como una sensación de desorientación definida como un síndrome colectivo siempre actual y potencialmente experimentable. Su trabajo pretende la confrontación con modelos de vida existentes, y, relacionado con ello, la búsqueda de nuevos aspectos existenciales. Se trata de una obra armoniosa e íntima en la que la artista reúne imágenes que captan momentos específicos del ser, pequeños misterios, instantes fugaces que se ocultan en la marginalidad de la cotidianidad.





	image invitation card ©: An Seebach images ©: die KünstlerInnen concept and organization: Ana Valles Castro & An Seebach kindly supported by: Sparkasse Dortmund, Kulturbüro der Stadt Dortmund